Billie Holiday
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Autant de raisons de rester prudent quant à la classification d'une voix à partir de la seule tessiture.
Le spectre général de l'énergie acoustique de la voix comporte des fréquences engendrées par les cordes vocales qui, on l'a vu au chapitre 2, créent des formants sous l'action des résonateurs. Il existe une méthode de classification de la voix chantée
Tableau 5.1
Classement des voix en chant classique et en chant pop'
Voix Notation anglo-saxonne Notation classique
Homme Chant pop Chant classique Chant pop Chant classique
Basse E2 à E4 E2 à E4 mi2 à mi4 mi2 à mi4
Baryton G2 à G4 A3 à A5 sol2 à sol4 la2 à la 4
Ténor C3 à C5 C3 à C5 do3 à do5 do3 à do5
Femme
Alto G3 à G5 E3 à E5 sol) à sol5 mil à sol5
Mezzo-soprano G3 à A4 A3 à A5 sol3 à la5 lai à la5
Soprano A3 à B6 C4 à C6 la3 à fa6 do4 à do 6
Belting G2 à E4 sol2 à mi4
* Équivalences entre les notations classique et anglo-saxonne : A —la, B =si, C D= ré, E F —ta, G —sol
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HOMME do3 à do5 C3 à C5 ténor
la2 à la4 G2 à G4 baryton
mi2 à mi4 basse
E2 à E4
FEMME voix amplifiée alto mezzo soprano
sol3 à sol5 G3 à G5
sol3 à la5 G3 à A5
la3 à fa6 A3 à B6
Figure 5.1 Classement des voix selon la tessiture, en chant pop
Quand j'étais jeune, je chantais sans arrêt, partout, et je faisais de la musique. J'avais sans doute une voix naturellement placée. À mes débuts, les cours de voix n'existaient pas. Dans la mentalité de l'époque, seuls les chanteurs classiques devaient prendre des cours. On chantait comme on le jugeait bon, si bien qu'après plusieurs années de chant, nos mauvaises habitudes vocales finissaient par fatiguer notre voix. »
Marie Michèle Desrosiers
Quelle est ma vraie voix ? 71
« J'ai pris des cours de chant dans une école de musique privée, puis avec notre reine de la chanson, Lucilie Dumont : ce fut une période très technique. La vieille école, quoi ! On parcourait la théorie, les dictées et le solfège. Après, je me suis inscrite au programme de musique du Cégep de Saint-Laurent, et j'y ai reçu une formation extraordinaire ! Les professeurs étaient vraiment dynamiques. On m'y a enseigné la technique vocale, mais on faisait surtout des exercices pour placer la voix dans des contextes harmoniques et d'improvisation. Avoir une connaissance du chant classique m'a beaucoup aidée à utiliser ma voix de tête et à trouver un équilibre dans le passage entre ma voix de poitrine et ma voix de tête. »
masculine qui a été élaborée à partir de la moyenne des formants mesurés à partir de l'interprétation d'un long extrait. Ce genre d'analyse acoustique peut supporter un classement et constituer une aide pédagogique valable en soulignant l'importance de l'action des résonateurs vocaux dans le développement des formants et l'enrichissement de la production sonore.
Mais, en somme, la classification juste de la voix découle de la mise en valeur de la réalité physique du chanteur grâce à un bon apprentissage vocal. Il faut donc s'abstenir d'effectuer une classification prématurée,
Ariane Moffatt
car la tessiture et l'étendue vocale d'un chanteur inexpérimenté ne sont pas suffisamment développées.
Rappelons que la classification des voix vise à orienter les chanteurs vers le répertoire qui convient le mieux à leur potentiel anatomique et physiologique. Pour les besoins des divers rôles dramatiques dans les opéras ou les comédies musicales, il est souvent indispensable de raffiner le classement des voix en s'appuyant sur le timbre. Or, le timbre s'entend bien plus qu'il ne s'explique. Les laryngologues peuvent donc fournir une aide en corrigeant les pathologies nuisibles aux cordes
vocales, mais seuls les professeurs de chant compétents et expérimentés peuvent réussir un bon classement de voix.
MA VOIX EST-ELLE BIEN PLACÉE ?
Placer sa voix, ou placer son « son », signifie tout simplement prendre conscience de l'endroit où se trouvent les sensations de résonance créées par les vibrations du chant, pour pouvoir amplifier le son laryngé de manière optimale en fonction du résultat recherché. Cette association entre l'émission vocale et les sensations de résonance peut se produire au niveau du thorax, du sternum ou dans l'ensemble des os du visage, selon la technique utilisée.
En fait, il arrive souvent que des professeurs préfèrent une voix placée à un endroit plutôt qu'à un autre et demandent au chanteur, par exemple, de placer le son devant (dans la bouche, dans le masque ou dans le front) ou derrière (à l'arrière de la gorge ou de la tête). Il nous apparaît imprudent de cibler une cavité
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de résonance plutôt qu'une autre ; on l'a dit, en chant de variétés, le chanteur doit pouvoir obtenir le confort maximal là où se situe son potentiel vocal, mais aussi la versatilité nécessaire pour la création d'effets sonores particuliers ou l'interprétation de rôles variés dans la comédie musicale.
Tout chanteur débutant doit d'abord faire l'effort de ressentir les vibrations qu'il crée, soit naturellement, soit avec les habitudes qu'il a prises depuis qu'il chante, pour prendre conscience des limitations de ce son et élargir son utilisation des diverses cavités de résonance.
Il va sans dire que l'exercice de placer » sa voix, de l'identifier, fera inévitablement ressortir ses problèmes de contrôle du souffle. Un chanteur qui respire mal utilisera inadéquatement sa colonne de souffle et ne ressentira pas ou peu de vibrations au niveau du thorax ou du sternum. Selon les résonateurs utilisés, le chanteur obtient des résultats fort différents : ses harmoniques peuvent être plus ou moins réduits, son timbre
peut être affecté. Un professeur ouvert aux objectifs de style et de carrière de son élève saura choisir les techniques adéquates pour l'amener à varier et à coupler ses résonateurs jusqu'à ce qu'il atteigne un équilibre de la résonance et se serve de tout son appareil vocal.
MA VOIX EST-ELLE CLASSIQUE OU POP ?
Longtemps, la seule formation en chant a été une formation en chant classique. La plupart des chanteurs pop ne croyaient pas utile de se former vocalement et, quand ils le faisaient, leurs
professeurs de chant avaient forcément été à cette école.
On a longtemps reproché au chant classique ses langues étrangères, ses mots inaudibles, ses voix de cathédrale, sa fermeture et ses préjugés par rapport au chant pop. Dans les conservatoires et les universités, on demandait aux chanteurs lyriques de ne pas chanter du jazz ou du blues pour préserver » leur technique vocale. Tout cela est en train de changer. En effet, le chant pop gagne de plus en plus d'adeptes sur le plan de la formation vocale et inspire de plus en plus de respect chez les interprètes classiques.
Avec mon professeur de chant, le Pr William Riley, qui est lui-même musicien, je me suis éveillée aux sonorités infinies qu'on peut donner aux mots, aux sons, en changeant la position de la langue, des lèvres et des joues. Il m'a montré comment appuyer ma voix dans le masque, comment la placer en tête, comment utiliser mes résonateurs de la poitrine et de la face. Il tirait de moi des sons que je n'avais jamais entendus de ma vie, que je n'avais jamais pensé pouvoir produire. Grâce à lui, je découvrais un nouvel univers musical, vaste, fascinant. Il m'a aussi aidée par des exercices d'assouplissement à me débarrasser d'un son nasillard qui était resté dans ma voix malgré mes nombreux efforts pour le corriger. »
Céline Dion
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Désormais, le mélange des genres est courant.
Pendant ce temps, des pionniers de la pédagogie vocale éliminent la barrière des registres, des passages et des répertoires, et un nombre grandissant de professeurs de chant refusent de s'enfermer dans l'opposition technique classique I technique
Marie Michèle Desrosiers
pop. Ils mettent plutôt d'avant une pluralité d'exercices vocaux, à utiliser selon les effets à produire, les rôles à jouer, les sens à véhiculer ou les émotions à projeter, donc un ensemble de techniques variées pour tous les styles musicaux. Rien n'empêche un chanteur, par exemple, d'utiliser sa voix de fausset pour caricaturer un personnage des
une comédie musicale. Rien n'empêche d'intégrer un son de chant de gorge dans un style métal. Les nouvelles originalités vocales tiennent désormais à la fusion des styles.
Il faut néanmoins respecter les styles musicaux. Rien n'est plus désagréable que d'entendre un chanteur classique chanter de la chansonnette avec une voix surprogrammée qui ne rend pas l'émotion du texte, ou d'entendre un air d'opéra chanté par un chanteur de variétés sans respect pour les règles de l'art lyrique. Tout réside dans l'adaptation de la technique au répertoire.
Il arrive qu'on encourage le chanteur classique à persévérer dans sa formation vocale, alors qu'il souhaite chanter un répertoire de variétés, en alléguant que sa technique le lui permettra un jour. Il serait préférable de lui dire la vérité. Avec le temps — qui est long, on le répète — et l'apprentissage des techniques appropriées, tout chanteur peut finir par bien chanter le répertoire qui l'intéresse, tout en protégeant ses
« J'aime bien chanter les chansons classiques napolitaines puisque j'adore l'italien et je trouve que la technique classique, au niveau vocal, se transpose mieux en italien qu'en français à cause des voyelles ouvertes. il y a moins de mots et la mélodie semble toujours faite pour la rondeur de la voix. »
Steeve Diamond
« Pour améliorer ma voix, j'ai vraiment beaucoup travaillé ! J'ai suivi régulièrement des cours de chant pour me donner une base. Au début, je trouvais que ça « sonnait » trop opéra, trop classique. Mais il ne faut pas avoir peur de « sonner » classique. Avoir une bonne technique, c'est la base. J'ai mis des années à comprendre ce qu'est une bonne technique vocale. Et le fait d'avoir fait des exercices vocaux m'a énormément aidée. Avec une formation sérieuse, on peut faire ce qu'on veut, que ce soit du jazz ou du rock, parce qu'on comprend le fonctionnement de sa voix et qu'on fait en sorte de ne pas l'abîmer. La voix, c'est le miroir de ce qu'on est, donc il y a des périodes où la voix est plus riche ou plus pauvre en couleur. L'art du chanteur, c'est de composer avec tout ça ! »
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cordes vocales et en produisant les effets désirés, que ce soit du blues, du jazz, de l'opéra, du gospel, du rock, du pop ou de la comédie musicale. Ce n'est donc pas la voix en soi qui est classique ou populaire. Les nouvelles pédagogies vocales permettent justement de ne pas programmer la voix dans une seule direction et de la préparer à une variété d'expressions.
N'AI-JE QU'UNE VOIX?
Le chanteur n'a donc pas qu'une voix. Il maîtrise différentes con- figurations laryngées et il passe de l'une à l'autre en souplesse et en grâce pour créer les effets vocaux souhaités sans fatigue vocale, sans perte d'harmoni- ques et sans diminution d'inten- sité. La plupart des chanteurs qui ont fait de la comédie musi- cale ont été à même de consta- ter ce fait. Leur succès tient au fait qu'ils ont su, souvent sans formation, adapter leur voix aux caractéristiques sonores recher- chées en comédie musicale.
En conséquence, il n'existe pas non plus de technique idéale
pour toutes les voix. La preuve, c'est que certains chanteurs po- pulaires qui ont une formation classique, ont tiré profit de ces enseignements, ne serait-ce que pour mieux respirer ou réchauf- fer leur voix.
Par ailleurs, il n'est pas rare que l'approche d'une technique soit critiquée pour n'avoir pas les
effets escomptés. C'est que la technique doit être personna- lisée au fur et à mesure de sa pratique. Une bonne technique de chant bien adaptée aura tou- jours pour effet de développer la voix sans la briser. Toute- fois, et il est utile d'insister sur ce point, toute technique aura pour effet de faire apparaître des effets de voix particuliers
l'ai chanté dans Sand et les romantiques comme je chante mes propres chansons. Quand j'ai fait Notre-Dame de Paris, la musique était beaucoup plus explosive, plus classique, et j'ai opté, à cause du personnage, pour une voix plus classique. Je sais comment aller chercher ce genre de sonorités sans utiliser la gorge. Je la faisais couler bien davantage, et ce n'était absolument pas exigeant pour ma voix. J'ai d'ailleurs chanté sept spectacles par semaine pendant des semaines et des semaines. Je n'ai jamais senti de fatigue vocale. Je chantais vraiment avec une voix de tête bien arrondie par le coffre, qui ne faisait aucun effort. Quand j'ai commencé à travailler Le petit Prince, j'ai d'abord pris ma voix de Notre-Dame de Paris, mais c'était ma voix à moi que les producteurs voulaient que j'utilise. j'avais oublié comment chanter de cette façon. Cela m'a pris plusieurs jours de travail sérieux pour retrouver mes harmoniques. Dans cette comédie musicale, le travail vocal était beaucoup plus subtil, plus récité. Il fallait donner beaucoup d'importance à chaque mot, et la seule façon d'y parvenir était de le faire à la façon du chant populaire, c'est-à -dire chanter son texte en mettant de l'emphase sur chaque mot. Il n'y a pas d'autres façons de le faire. La façon classique ne permet pas du tout cela, c'est tellement technique que le texte ne vient plus du coeur, il vient de la tête. »
Daniel Lavoie
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qui auront une influence sur les prestations. Le jeune chanteur devrait par conséquent faire son apprentissage en diversifiant ses techniques vocales afin de tout faire avec sa voix, quitte à choi-
sir plus tard de chanter dans le style musical et vocal qui lui plaira, sachant qu'il pourra en respecter les règles harmoniques. Il sera toujours temps de se spécialiser.
La nature de la prestation dans le domaine des variétés et celle du chant classique sont tout de même suffisamment distinctives pour imposer à la préparation vocale des contraintes particulières (tableau 5.2). Le jeune chanteur doit pouvoir choisir son répertoire en fonction de ses affinités et s'assurer de se donner la formation qui convient. Il tirera également profit d'une meilleure connaissance des sons spéciaux et d'une brève introduction à des techniques de raucité et d'amplification prisées dans la musique pop.
« ll y a quinze ou vingt ans, il n'y avait pas de lieu de formation pour les gens qu'on invitait à faire de la comédie musicale. Les vedettes que l'on connaît aujourd'hui — et qui ont fait de la comédie musicale —, ont dà » apprendre le métier sur le tas avec tout ce que cela comporte de risques, car ces artistes n'avaient aucune formation spécifique pour ce type de prestation. Bien sà »r, ils savaient chanter, mais chanter tout en étant comédien — et souvent aussi danseur — augmentait de beaucoup le niveau de difficulté. »
Bruno Pelletier
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